John Axelrod

Usually, music teachers teach their students until they have acquired certain skills. Be it for domestic use or participation in competitions or for a professional career. But there is a group of music teachers who regularly stand in front of already highly skilled instrumentalists or singers: The conductors. Mostly we see only a small part of their work, namely the concert performance. But the preliminary rehearsals take much more time. With it, a conductor teaches the musicians to play the way he imagines. About this work, the International Music School Berlin talked to one of the best conductors of our time: John Axelrod.

John Axelrod calls himself an “Ameropean”. He was born in America, more specifically Texas/USA. But for more than ten years he lives in Europe. Already at the age of 16 he had conducting lessons a few months with no one less than Leonard Bernstein. He studied piano, composition and conducting at Harvard and St. Petersburg. However, he first took a different profession: he was a talent scout for a record company and discovered bands like the Smashing Pumpkins or worked with the singer Tori Amos. After a few years he changed into a completely different activity, he became a director at a famous wine center. But at the age of 28 he decided that he would rather become a conductor.

Before we approached the work of a conductor with an orchestra, we asked John Axelrod about his exceptional professional career. He had lessons with Leonard Bernstein and studied music – why did he initially have other occupations? “To learn at 16 from a legend that you would follow in his footsteps is quite intimidating”, he said. “There could never be another Bernstein, so I had to leave the thought and let go of it, before it would come back to me naturally. Wine and music go easily for me and both jobs in rock-n roll and the wine industry were not difficult justifications. But I was consuming, not creating. My decision to become a conductor, 12 years after Lenny advised me to do so, was an organic return to my roots. And Ive never looked back since.”

How exactly did he come to that decision? “I was working in Napa Valley, and had an epiphany. After a long conversation about following one’s bliss one night at the Mondavi’s, I drove back to my house, thinking about that, and hearing the Vorspiel and Liebestod to Tristan in my head. This is my favorite piece of music, and I felt I could not drive and concentrate. I stopped the car, looked out at the sublime beauty of the valley, and heard, for the first time in my life, pure silence. It was indeed the most beautiful music I ever heard. I got back in the car, turned on the engine and radio, and there was the Tristan prelude. I took it as a sign to change my life and go back to music, and I quit my job the next day.”

In 1997, John Axelrod founded the “Orchestra X” in Houston. This ensemble did a great deal for intriguing young people for classical music. For instance the orchestra doesn’t wait for the audience to come to the concert hall. Instead of that it takes the music to the places, where young peple reside, like barbecue partys, clubs and shopping malls. John Axelrod says, laughing: “In Germany, there are three big “B” – Bach, Beethoven and Brahms. In Texas we made beer, barbecue and Beethoven.”

Today, John Axelrod plays with the best orchestras of the world. From the Los Angeles Philharmonic and London Philharmonic to the Guerzenich Orchestra Cologne to the Leipzig Gewandhaus and Dresden Philharmonic. After being Chief Conductor of the Lucerne Symphony Orchestra for 5 years, he took this position at Orchestre National des Pays de la Loire in France in September 2009. He assumed in 2009 the Music Directorship of the “Hollywood in Vienna” Series with the ORF. And he remains Principal Guest Conductor of Sinfonietta Cracovia a position he has held since 2001.

Before the conductor can instruct the orchestra, he must get an idea of the piece to play himself. How does a conductor prepare? “A conductor must be more than a musician”, John Axelrod meant. “He or she must know many subjects: from history to psychology to sociology to anthropology to acoustical science to sports strategy to gardening.“ – Now wait a second, gardening? “Yes, exactly! The act of breathing, nurturing and loving applies to making music as well as growing a flower. A score is merely the architectural blueprint. Or a giant piece of marble. For the work to be discovered, one must go under the notes and find the intention of the composer and the character of the music the composer intends. Communicating all that to an orchestra requires humility on one part and sovereignty on another. It requires professional security but also the will to be free. (Richard) Strauss once said to the musicians: ‘This is 2, this is 3 and this is 4. The rest is up to you’.”

An orchestra is a bunch of musicians, who master their instruments perfectly because they have studied and played it for years. How does a conductor make these artists play the way he imagines? “The motivation of an orchestra depends on the understanding of human relationships”, John Axelrod said. “While the musicians play their instruments, the instrument of the conductor is a group of human beings, flesh and blood, hearts and minds, not wood gut or metal. Knowing that can create the ambience necessary to get the best potential out of an ensemble. “

Whenever John Axelrod starts a concert, he radiates “friendly security” to the orchestra, like he wanted to say: “I know that you can do it.” During the concert he doesn’t stiff on the podium, but dances with the music. One could almost lock his/her ears and just *see* what music is just played by the orchestra. It seems like he wants to tell the musicians: “I am one of you.”

“That is indeed my intention”, John Axelrod confirmed. “Sometimes, when an orchestra is unruly, I play the caring parent, seeing all of the players as once being babies. It helps.” The idea that the conductor cannot be friend to the musicians, he thinks is a myth. “We are one and the same. Imagine a company without a CEO. A Football team without a coach. A ship without a captain. Most of all we live and die together. The love you make is equal to the love you take. And when we succeed, it is a reminder of why we make music.

Isn’t there sometimes some kind of power struggle between conductor and orchestra? “One cannot please everyone all of the time”, John Axelrod meant. “So there is always some form of conflict, and of course, not all orchestras play at the same level, so expectations cannot be met all the time. However, based on what I wrote before, its possible to bring any ensemble to a higher level. One must be flexible and adapt to the anthropology of the orchestra respective to its culture; A French orchestra plays like the French, the Italians like Italian culture, the Swiss like the Swiss and so on. But the real power struggle”, he explained, “is between musicians and management. The conductor has wisely chosen not to be in the middle, but in doing so, has surrendered some of the natural authority given to the position.”

As a guest conductor one has only a few days time to work with an orchestra. How many of his ideas can be implemented in such a short period? “Depending on where one works, it can even be as little as one rehearsal before a concert”, John Axelrod pointed out. “Unions, cost, and repertoire can determine the rehearsal schedule. In that case, it is literally impossible to communicate via gesture or words a full interpretation. But if an orchestra is motivated, sometimes that lack of preparation can result in spontaneous magic.”

A chief conductor on the other hand can change the whole tone and character of an orchestra changed. Soon John Axelrod will be principal conductor of another orchestra. Has he been excited? “I’m always excited to conduct an orchestra, whether the first time or the 100th time”, he admitted. “But being an MD is more meaningful because of the work that can be done musically, and the difference one can make within a community. That ultimately is the definition of success. Because music is subjective, some people may love our work, others not. But when an orchestra can become vital and relevant to its audience, serving the higher purpose of making a contribution to the cultural life in its community, then the work has more meaning. Today, an orchestra is more than an artistic pursuit. I do believe there is also a humanitarian and educational role to play.

John Axelrod knows both positions, guest and principal. Which one does he think is more interesting? “Guesting is fun because you are free of the responsibilities associated with being MD and you can travel to many wonderful places in the world. One can also learn much about the similarities and differences between orchestras. “ But then again he does believe being an MD has more significance, because “there is a chance to shape the musical vision and destiny of an organization. Not just the sound and interpretation, but also the importance of the organization in the lives of its public. Without a public, an orchestra cannot really exist. And without an orchestra, the public loses its link to its collective musical inheritance and its cultural patrimony.”

Does John Axelrod have a role model as a conductor? “Christoph Eschenbach certainly, one of my mentors. He gave me my first opportunity as his assistant at Bayreuth and at Schleswig Holstein Festival. And taught me much how to read beneath the notes of a score and technique.” But as for another living conductor who is his role model, he would say Valery Gergiev, “for his vision, his power and his courage. And Gustavo Dudamel, for his energy and style. But the greatest conductors ever for me were Bernstein and Carlos Kleiber. Without them, I cannot imagine we would find freedom in music. “

If John Axelrod wouldn’t be a conductor, which instrument would he like to play mostly? “I’d love to be a singer”, he revealed. “Really, for all the expressiveness the voice offers and to do all the Schubert Lieder. But the other instrument would be the clarinet, for its character and flexibility in repertoire, from jazz to klezmer to classical. Or perhaps the Cor Anglais: It does not play that often, and when it does, it is usually the solo and gets to take a bow. Not bad for a job”, John Axelrod meant laughing. Once he did even sing at a concert. “That was in Dusseldorf”, he told us. “The singer for Porgy and Bess cancelled, and rather than hire another singer, the Intendant asked me to sing. When I turned around to sing ‘Theres a Boat Thats Leaving Soon from New York’, the audience’s eyes opened wide. It was quite an experience.”

At the International Music School Berlin, conducting isn’t taught. Is there any advice nevertheless, John Axelrod would give our students regarding the use of music in general or learning to play an instrument in specific? “I feel any instrument can serve as a door into the world of conducting, but of course, the polyphonic instruments, mainly the piano can best train the ear and brain. That does serve well for reading scores. But its not limited by any means; many instrumentalists have made wonderful conductors. And being a conductor offers one undeniable truth, that we have the best seat in the house for the experience of a symphony or opera. It is at our fingertips.” And he added: “The goal in my experience is to find freedom and flow in our craft. It is the most wonderful feeling to breath together and experience the creation of sound. Find the moment to let go and hear the music set sail.

And what would he recommend to the parents? “The only advice for a parent, myself being one, is to feed your childs imagination and creativity. If there is a talent, it will expose itself. And if it is music, its best to not force or decide for the child. Let the child choose, one or a few at a time, and become friends with the instruments. And if you don’t like a teacher, choose another. Finding the right teacher is essential. That mentorship will be needed later in life. Lastly, if your child happens to be working professionally, be patient, and allow him or her to play. It is that simple. Like Strauss said: ‘The rest is up to you’.”

By Wieland Aschinger

John Axelrod on the internet:
www.johnaxelrod.com

John Axelrod

Normalerweise unterrichten Musiklehrer ihre Schüler, bis sie bestimmte Fähigkeiten erlangt haben. Sei es für den Hausgebrauch, die Teilnahme an Wettbewerben oder eine berufliche Karriere. Es gibt aber noch eine Gruppe von Musiklehrern, die regelmäßig vor hochausgebildeten Instrumentalisten oder Sängern stehen: Die Dirigenten. Meistens sehen wir von ihrer Arbeit nur einen kleinen Teil, nämlich die Konzertaufführung. Weitaus mehr Zeit beanspruchen aber die vorbereitenden Proben. Dabei bringt ein Dirigent den Musikern bei, so zu spielen, wie er es sich vorstellt. Über diese Arbeit hat die Internationale Musikschule Berlin mit einem der besten Dirigenten unserer Zeit gesprochen: John Axelrod.

John Axelrod nennt sich selbst einen „Ameripäer“. Geboren wurde er in Amerika, genauer gesagt in Texas/USA. Doch seit über zehn Jahren lebt er in Europa. Schon mit 16 Jahren hatte er ein paar Monate Dirigierunterricht bei keinem Geringeren als Leonard Bernstein. Er studierte in Harvard und St. Petersburg/Florida Klavier, Komposition und Dirigieren. Dennoch ergriff er nach dem Studium zuerst einen anderen Beruf: Er wurde Talent-Scout für eine Plattenfirma und entdeckte Bands wie die “Smashing Pumpkins” oder arbeitete mit der Sängerin Tori Amos. Nach ein paar Jahren wechselte er sogar in eine völlig andere Tätigkeit und wurde Direktor eines berühmten Wein-Instituts. Aber mit 28 Jahren entschied er, daß er doch lieber Dirigent werden wollte.

Bevor wir auf die Arbeit eines Dirigenten mit dem Orchester zu sprechen kamen, fragten wir John Axelrod noch nach seinem ungewöhnlichen beruflichen Werdegang. Er hatte Unterricht bei Leonard Bernstein genommen und Musik studiert – warum hat er dann (zunächst) andere Berufe ausgeübt? „Mit 16 Jahren bei so einer Legende zu lernen, seinen Fußabdrücken zu folgen, das kann einen ziemlich einschüchtern“, sagte er. „Es kann nun mal nur einen Bernstein geben. Deshalb habe ich den Gedanken erst mal gehen lassen, bevor er von selbst wieder zu mir zurückkam. Mit Wein und Musik kann ich gut umgehen, und meine Jobs in der Rock-Musik und der Weinindustrie waren völlig in Ordnung. Aber dabei habe ich nur konsumiert, war nicht kreativ. Als ich mich entschied Dirigent zu werden, zwölf Jahre nachdem Lenny es mir empfohlen hatte, war das eine organische Rückkehr zu meinen Wurzeln. Und ich habe es nie bereut.“

Wie ist es genau zu dieser Entscheidung gekommen? „Ich arbeitete in Napa Valley und hatte eine Offenbarung. Nach einem langen Gespräch darüber, seinem eigenen Glück zu folgen, fuhr ich abends von dem Wein-Institut nach hause. Ich dachte noch über das Gespräch nach und hörte in meinem Kopf ständig „Vorspiel und Liebestod“ aus „Tristan und Isolde“ von Richard Wagner. Das ist mein Lieblings-Musikstück und irgendwie konnte ich mich gar nicht aufs Autofahren konzentrieren. Ich hielt den Wagen an und schaute auf die unglaubliche Schönheit des Tals. Dabei hörte ich zum ersten Mal in meinem Leben absolute Stille. Das war die allerschönste Musik, die ich je gehört hatte. Ich ging zurück zum Auto, schaltete das Radio an und heraus kam – das ‚Tristan’-Vorspiel. Das nahm ich als ein Zeichen mein Leben zu ändern und zur Musik zurückzukehren. Am nächsten Tag kündigte ich meinen Job.“

1997 hat John Axelrod in Houston das „OrchestraX“ gegründet. Dieses Ensemble engagiert sich sehr dafür, junge Menschen für klassische Musik zu interessieren. Unter anderem wartet das Orchester nicht, daß das Publikum in den Konzertsaal kommt. Stattdessen bringet es die Musik dahin, wo die jungen Leute sich aufhalten, zum Beispiel bei Grillpartys, in Clubs und Einkaufszentren. John Axelrod sagt dazu lachend: “In Deutschland gibt es die drei großen B - Bach, Beethoven und Brahms. In Texas haben wir gemacht Bier, Barbecue und Beethoven.”

Heute spielt John Axelrod weltweit mit den besten Orchestern. Von den Los Angeles und den London Philharmonikers über das Gürzenich Orchester Köln bis zum Leipziger Gewandhaus und den Dresdner Philharmonikern. Nachdem er die letzten fünf Jahre Chefdirigent des Luzerner Sinfonieorchesters war, übernahm er im September 2009 diesen Posten beim französischen Orchestre National des Pays de la Loire. Außerdem war er in diesem Jahr Musikalischer Direktor der Serie „Hollywood in Vienna“ des ORF. Daneben ist er schon seit 2001 Ständiger Gastdirigent der Sinfonietta Cracovia.

Bevor der Dirigent das Orchester anleiten kann, muß er sich selbst eine Vorstellung von dem Stück machen. Wie bereitet sich also ein Dirigent vor? „Ein Dirigent muß mehr sein als ein Musiker“, meinte John Axelrod. „Er oder sie muß von vielen Dingen Ahnung haben: Von Geschichte über Psychologie, Soziologie und Menschenkunde bis Klangwissenschaft, Sport-Strategien und Gartenarbeit.“ – Moment mal, Gartenarbeit? „Ja, genau! Atmung, Pflege und Liebe gelten für das Musikmachen genau wie für das Wachsen einer Blume. Eine Partitur ist bloß ein architektonischer Entwurf, eine Blaupause. Oder ein riesiges Stück Marmor. Wenn man das Werk darin entdecken will, muß man hinter die Noten schauen, um die Intention des Komponisten zu finden, den Charakter der Musik, den er im Sinn hatte. Das alles dem Orchester zu vermitteln, erfordert sowohl Bescheidenheit als auch Souveränität. Es erfordert professionelle Sicherheit, aber auch den Willen zur Freiheit. (Richard) Strauß sagte früher zu den Musikern: ‚Das ist 2, das ist 3, das ist 4 – und der Rest liegt bei Ihnen.“.

In so einem Orchester sitzen doch lauter Musiker, die ihre Instrumente perfekt beherrschen, weil sie es studiert haben und seit Jahren spielen. Wie bringt ein Dirigent diesen Künstlern bei, so zu spielen, wie er es sich vorstellt? „Wie gut man ein Orchester motivieren kann, das hängt vom Verständnis der menschlichen Beziehungen ab“, sagte John Axelrod. „Die Musiker spielen ihre Instrumente. Aber das Instrument des Dirigenten ist eine Gruppe von Menschen aus Fleisch und Blut, mit Herz und Geist, nicht Holz und Metall. Wenn man sich dessen bewusst ist, kann man die Umgebung schaffen, in der man das beste Potential aus einem Ensemble herausholen kann.“

Wenn John Axelrod ein Konzert beginnt, strahlt er auf das Orchester immer eine freundliche Sicherheit aus, als wollte er zu den Musikern sagen: “Ich weiß, daß Ihr es könnt.” Während des Konzerts steht er nicht steif am Pult, sondern tanzt regelrecht die Musik. Fast könnte man sich die Ohren zuhalten und *sehen*, welche Musik sein Orchester gerade spielt. Das wirkt, als wollte er den Musikern zeigen: „Ich bin einer von Euch.“

„Das ist tatsächlich meine Absicht“, bestätigte John Axelrod. „Manchmal, wenn ein Orchester aufsässig ist, spiele ich den sorgenden Vater und betrachte alle Musiker als ehemalige Kleinkinder. Das hilft.“ Die Behauptung, daß ein Dirigent nicht der Freund des Orchesters sein könne, hält er für einen Mythos. „Wir gehören alle zusammen. Man stelle sich eine Firma ohne Chef vor, eine Fußballmannschaft ohne Trainer, ein Schiff ohne Kapitän. Im wesentlichen leben und sterben wir zusammen. Die Liebe, die man gibt, gleicht der Liebe, die man erhält. Und wenn wir Erfolg haben, erinnert uns das daran, warum wir Musik machen.“

Gibt es nicht manchmal auch eine Art Kräftemessen zwischen Dirigent und Orchester? „Man kann es nicht immer allen rechtmachen“, meinte John Axelrod. „Daher gibt es natürlich immer eine Art von Konflikt. Die Orchester spielen auf unterschiedlichem Niveau, deshalb können sich nicht immer alle Erwartungen erfüllen. Aber ausgehend von dem, was ich eingangs erwähnt habe, ist es möglich, jedes Ensemble auf ein höheres Niveau zu bringen. Man muß flexibel sein und sich den Menschen eines Orchesters wie auch seiner Kultur anpassen. Ein französisches Orchester spielt französisch, ein italienisches entsprechend der italienischen Kultur, ein Schweizer Orchester schweizerisch und so weiter. Aber der wahre Machtkampf“, erklärte er, „ist der zwischen Musikern und Management. Es ist gut, daß der Dirigent nicht dazwischen steht. Andererseits verliert er damit etwas von der Autorität, die eigentlich in seiner Position steckt.

Als Gastdirigent hat man doch nur ein paar Tage Zeit, mit einem Orchester zu arbeiten. Wieviel von seinen Vorstellungen kann man da umsetzen? „Manchmal hat man sogar nur eine einzige Probe vor einem Konzert“, merkte John Axelrod an. „Arbeitszeitregeln, Kosten und das Repertoire können die Probenzeit begrenzen. In solchen Fällen ist es eigentlich unmöglich, mit Gesten oder Worten eine vollständige Interpretation zu vermitteln. Aber wenn ein Orchester motiviert ist, entsteht manchmal gerade aus diesem Mangel an Vorbereitung ein spontaner Zauber.“

Ein Chefdirigent dagegen kann den ganzen Klang und Charakter eines Orchesters verändern. Im September wurde John Axelrod Chef eines neuen Orchesters. Ob er davor aufgeregt war? „Ich bin immer aufgeregt, ein Orchester zu dirigieren, egal ob beim ersten oder beim hundertsten Mal“, räumte er ein. „Aber ein Chefdirigent zu sein ist bedeutsamer wegen der musikalischen Arbeit, die man leisten kann und wegen der Veränderungen, die man in einer Gemeinschaft kreieren kann. Das ist die absolute Definition von Erfolg. Denn Musik ist nun mal subjektiv. Manche Leute mögen deine Arbeit, andere nicht. Aber wenn ein Orchester lebendig und wichtig für sein Publikum wird, einem höheren Zweck dient und einen Beitrag zum kulturellen Leben seiner Gemeinschaft leistet, dann hat die Arbeit eine größere Bedeutung. Heutzutage hat ein Orchester nicht nur die Aufgabe, Musik zu machen. Ich glaube, daß es auch eine humanitäre Rolle spielt und der Bildung dient.“

John Axelrod kennt ja nun beide Positionen, Gast und Chef. Welche findet er interessanter? „Gast zu sein macht Spaß, denn man hat nicht die Verantwortung eines Chefdirigenten und kann an wundervolle Plätze der Welt reisen. Man kann auch viel über Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen Orchestern lernen.“ Andererseits meinte er, hat es mehr Tragweite, Chefdirigent zu sein. „Dann man hat die Chance, eine musikalische Vision und das Schicksal einer Organisation zu formen. Nicht nur den Klang und die Interpretation, sondern auch die Bedeutung der Organisation im Leben der Öffentlichkeit. Ohne Öffentlichkeit kann ein Orchester überhaupt nicht existieren. Und ohne ein Orchester verliert die Öffentlichkeit die Verbindung zu ihrem kollektiven musikalischen und kulturellen Erbe.“

Hat John Axelrod als Dirigent ein Vorbild? „Sicherlich Christoph Eschenbach, einer meiner Mentoren. Er gab mir die erste Gelegenheit, ihm in Bayreuth und beim Schleswig-Holstein Musik Festival zu assistieren. Von ihm habe ich viel über Technik gelernt und darüber, hinter den Noten der Partitur zu lesen.“ Ein weiteres Vorbild unter den lebenden Dirigenten ist ihm Valery Gergiev, „wegen seiner Vision, seiner Kraft und seines Mutes. Und Gustavo Dudamel wegen seines Energie und seines Stils. Aber die größten Dirigenten sind für mich immer noch Bernstein und Carlos Kleiber. Ohne sie könnte ich mir nicht vorstellen, wie wir die Freiheit der Musik finden würden.“

Wenn John Axelrod nicht Dirigent wäre, welches Instrument würde er am liebsten spielen? „Ich wäre gerne ein Sänger“, verriet er. „Wirklich, wegen der Ausdrucksmöglichkeiten, die die Stimme bietet. Dann würde ich alle Schubert Lieder singen. Das andere Instrument wäre die Klarinette, wegen ihres Charakters und der Flexibilität ihres Repertoires – von Jazz über Klezmer bis Klassik. Oder vielleicht das Englisch-Horn: Da wird man nicht oft eingesetzt, aber wenn man spielt, dann meistens solo. Und dafür bekommt man den ganzen Applaus – kein schlechter Job!“, meinte John Axelrod lachend. Einmal hat er sogar in einem Konzert gesungen. „Das war in Düsseldorf“, erzählte er. „Als bei ‚Porgy and Bess’ ein Sänger ausfiel und so schnell kein Ersatz gefunden werden konnte, fragte der Intendant, ob ich singen könnte. Als ich mich dann umdrehte und ‚There’s a Boat That’s Leaving Soon from New York’ anstimmte, hat das Publikum vielleicht große Augen gemacht! Das war ein tolles Erlebnis.“

An der Internationalen Musikschule wird zwar nicht Dirigieren unterrichtet. Hat John Axelrod trotzdem einen Ratschlag für unsere Schüler zum Umgang mit Musik oder dem Erlernen eines Instruments? „Ich finde, daß jedes Instrument als Tor in die Welt des Dirigierens dienen kann. Aber natürlich können die polyphonen Instrumente, hauptsächlich das Klavier, das Gehör und das Gehirn am besten trainieren. Das ist sehr hilfreich beim Lesen von Partituren.“ Das meint er aber nicht einschränkend, denn: „Aus vielen Instrumentalisten sind wundervolle Dirigenten geworden. Und es ist eine unbestreitbare Wahrheit, daß der Dirigent immer den besten Platz im Haus hat, um eine Symphonie oder Oper zu erleben. Da hat man die Musik immer zum Greifen nahe.“ Und er fügte hinzu: „Nach meiner Erfahrung ist das Ziel, den freien Fluss unseres Handwerks zu finden. Es ist das wunderbarste Gefühl, miteinander zu atmen und die Erschaffung von Klang zu erleben. Findet den Moment, in dem Ihr loslasst und hört, wie die Musik die Segel setzt.“

Und was würde er den Eltern empfehlen? „Ich bin ja selbst Vater. Mein einziger Rat an die Eltern ist: füttern Sie die Fantasie und Kreativität Ihres Kindes. Wenn es Talent hat, wird sich das von selbst zeigen. Und wenn es um Musik geht, ist es das Beste, nichts zu erzwingen oder für das Kind zu entscheiden. Lassen Sie Ihr Kind wählen, einmal oder mehrmals, und freunden Sie sich mit den Instrumenten an. Und wenn Sie den Lehrer nicht mögen: wählen Sie einen anderen. Es ist wahnsinnig wichtig, den richtigen Lehrer zu finden. Denn dessen Anleitung wird noch später im Leben gebraucht. Und schließlich: Wenn Ihr Kind eine professionelle Laufbahn anstrebt, haben Sie Geduld, lassen Sie es einfach spielen. Es ist eigentlich ganz einfach. Wie Strauß sagte: ,Der Rest liegt bei dir’.“

Von Wieland Aschinger

John Axelrod im Internet:
www.johnaxelrod.com

Alexander Muno selbst würde sein neues Werk am ehesten als eine „Navigation für Kammerensemble“ bezeichnen. Der Klangkörper ist mit Flöte, Klarinette, Trompete, Schlagzeug, Streichquartett und Klavier.besetzt. Grob betrachtet besteht „Logbuch (Sphinxengaleere)“ aus fünf Teilen, die ineinander verschachtelt sind und aufeinander Bezug nehmen. Sie gehen zwar, ohne durch Pausen getrennt zu sein, ineinander über und sind durch Vorschauen als auch Rückblenden rückgebunden in das Ganze. Dennoch hat jeder Teil genug eigenständige Struktur, um als neues Element empfunden zu werden. Inhaltlich hat der Komponist bei seiner Musik nach dem Menschen gefragt, nach seiner Subjektivität und Individualität.

Obwohl „Logbuch (Sphinxengaleere)“ an dem Abend erst vor der Pause eines regelrechten Marathon-Konzerts gespielt wurde, hat es das Publikum mit begeistertem Applaus aufgenommen. Dem Redakteur der „Berliner Zeitung“ erschien Alexander Munos Komposition „aufgeladen von expressiver Ansprache“, während einem Zuhörer im Konzerthaus besonders die „Farbigkeit“ des Werkes gefiel.

Ferry Ahrlé

Ein Interview aus der Serie
„Menschen, die Musik vermitteln“

Wenn wir an Ludwig van Beethoven denken, fällt uns natürlich zuerst seine Musik ein. Schnell haben wir aber auch ein Bild des Komponisten vor Augen: der energische Blick, die wilde Mähne – und die meisten werden jetzt an das Gemälde von Joseph Karl Stieler denken. Schon immer haben uns Maler auch die Musiker näher gebracht.

Einer der bekanntesten dieser Maler heißt Ferry Ahrlé. Bereits kurz nach seinem Studium hat er Dirigenten wie Wilhelm Furtwängler und Sergiu Celibidache, den Geiger Yehudi Menuhin oder die Pianistin Branka Musulin gezeichnet. Das war Ende der 1940-er Jahre, und seine Bilder zierten die Programmhefte der Berliner Philharmoniker. Die größten Musiker seiner Zeit zu malen und mit ihnen über seine Bilder zu sprechen, hat den jungen Ferry Ahrlé ziemlich beeindruckt. Noch heute erzählt er mit Begeisterung davon. Während der Konzertproben, die er in zwei Spielzeiten erlebte, konnte er die Musiker bei ihrer Arbeit beobachten. Dabei vertiefte sich seine Liebe zur Musik. „Und Wissen kam hinzu“, wie er im Gespräch mit der Internationalen Musikschule Berlin erklärte.

Ferry Ahrlé wurde am 17. Juni 1924 in Frankfurt/Main geboren. Im Jahr darauf zogen seine Eltern nach Berlin. Seine Mutter Emi war Pianistin, sein Vater René ein berühmter Grafiker, der für große Firmen wie Shell die Werbeplakate gestaltete. Im Haus der Ahrlés fanden sich immer Pinsel, Farben und große Bögen Papier. „So konnte ich als Kind nach Herzenslust drauflos pinseln“, erzählte er uns. In seinem Elternhaus waren häufig Schauspieler und Sänger zu Gast. „In dieser von Malerei, Schauspiel und Musik geprägten Umgebung wurden die Grundlagen für meinen späteren Beruf gelegt“, ist er überzeugt.

Direkt nach der Schule begann Ferry Ahrlé sein Studium an der Berliner Akademie der Künste. „Durch unseren Nachbarn, den Schauspieler Paul Dahlke, bekam ich Kontakt zum ‚Deutschen Theater’. Dann habe ich auch Schauspielunterricht genommen.“ Nach Abschluss seines Studiums zeichnete Ferry Ahrlé Porträts und Illustrationen für diverse Zeitschriften, aber auch Schallplattenhüllen. Mitte der 1950-er Jahre zog er wieder in seine Geburtsstadt Frankfurt/Main. Hier entwarf er über 100 Plakate für Filme von Orson Welles, Ingmar Bergmann und viele andere, die heute Klassiker sind. „In dieser Zeit lernte ich auch den Pianisten Karl Engel kennen, der mir ein langjähriger Freund wurde“, berichtete der Maler.

In den 1960-er Jahren ging Ferry Ahrlé für einige Zeit nach Paris. Und obwohl sein Studium schon lange hinter ihm lag, trug er sich an der „Academie Julian“ ein. Denn: „Lernen kann man nie genug“, sagte er. Er zeichnete Stadtlandschaften von Paris und später auch von Venedig. Zurück in Deutschland widmete er sich den Themen Eisenbahn und Fliegen. „Das eine hat mich seit der Modellbahn in der Kindheit fasziniert, das andere habe ich als erwachsener Flugschüler entdeckt“, erklärte er.

Vielseitig sind die Themen also, die Ferry Ahrlé auf die Leinwand und zu Papier bringt. Doch immer wieder widmet er sich auch der Musik. Viele der über 4.000 Porträts, die er in seinem Leben schon gemalt hat, zeigen Musiker. Aber fantasievoll wie er ist, hat er das Porträtieren sogar noch weiterentwickelt. In den 1970-er und 1980-er Jahren hat er in zwei Fernsehserien Persönlichkeiten wie den Geiger Yehudi Menuhin interviewt und gleichzeitig gezeichnet – und das vor laufender Kamera! „Nach jeweils einer halben Stunde war nicht nur das Bild fertig, sondern der Zuschauer hatte auch die Person näher kennengelernt“, beschreibt Ferry Ahrlé sein Konzept. Interviewen und gleichzeitig Zeichnen und das ganze im Fernsehen – heute würde man das „Multimedia“ nennen. Ferry Ahrlé hat es schon gemacht, als das Wort noch gar nicht erfunden war. Für seine Idee erhielt er damals auf einem Fernsehfestival in New York eine Goldmedaille.

Ferry Ahrlé hat auch ein besonderes Talent, Wissen unterhaltsam zu vermitteln. In einer Zeichentrickserie ließ er seine Figur „Schwinimiprissi“ – einen freundlichen Herrn mit einem riesigen Zylinder – in die Vergangenheit reisen. Dabei konnte „Schwini“ unter anderem miterleben, wie Beethovens 5. Sinfonie entstand: Erst klopfte das Bäckermädchen an die Tür – „Da - da - da – daaa!“ –, dann der Postbote mit einem Brief von Schiller und am Ende ein Geldbote. In einer anderen Folge der Serie war es Herr Schwinimiprissi, der den Kontakt zwischen Johann Sebastian Bach und König Friedrich II. vermittelte.

Auch mit einem Augenzwinkern beschrieb Ferry Ahrlé das Leben des Komponisten Jacques Offenbach. Unter dem Titel „Offenbach in der Oberwelt“ gestaltete er für das Fernsehen einen Zeichenfilm. Anschließend wurde daraus eine Ausstellung, die durch viele Städte wanderte. Und noch einmal hat der Maler das Porträtieren weiterentwickelt: „Ich habe den Komponisten nämlich selbst gespielt – in Kostüm und Maske“, erzählte er. „Das war im Restaurant ‚Jacques Offenbach’ der Frankfurter Alten Oper.“ Er gestaltete auch Ausstellungen wie „Mit Mozart auf Reisen“ und „Mozartissimo“ sowie einen Bilderzyklus zu Opern von Richard Strauss. „Und mit meiner Kunstmappe ‚Die Welt der Oper’ habe ich den Wiederaufbau der Frankfurter Oper unterstützt.“

Mit der Musik beschäftigt sich Ferry Ahrlé aus Liebe dazu. „Auch bei meiner Arbeit im Atelier ist mir das ständige Hören der Musik sehr wichtig“, erzählte er uns. Bei dieser Verbindung ist es eigentlich kein Wunder, daß ihm – dem Maler – bei ihrem Erklingen Farben und Formen, ja ganze Bilder in den Sinn kommen. Nach Konzerten skizziert er seine Eindrücke. Er lernt auch viel über die Komponisten und die Hintergründe ihrer Werke. Aus seinen Gefühlen und seinem Wissen entwickelte er seine „Gemalte Musik“. In 25 großen Ölgemälden hat Ferry Ahrlé seine Vorstellungen über verschiedene Orchesterwerke dargestellt. Seine Bilder reichen von Mozarts „Jupiter“-Symphonie über Schumanns Dritte, Bruckners Vierte und Mahlers Neunte bis zu den „Symphonischen Metamorphosen“ von Paul Hindemith und Wolfgang Rihms „Schwebende Begegnung“.

Beethoven 5. Symphonie

Sein Gemälde über die 5. Symphonie von Ludwig van Beethoven hat Ferry Ahrlé zum Beispiel selbst so beschrieben: „Die im Vordergrund in grau-schwarz gehaltene Figurengruppe drückt die Unerbittlichkeit des Schicksals aus. Die aufstrebende Architektur signalisiert die im zweiten Satz aufklingende Hoffnung. Die düsteren Zypressen im Hintergrund symbolisieren die dämonischen Kräfte des dritten Satzes. Nach der plötzlichen Stille wachsen aus der Düsternis Lichtfiguren in das Zentrum der Komposition und formieren sich zu Energien des Guten.“

Vor kurzem ist Ferry Ahrlé 85 Jahre geworden. Von „85 Jahre alt“ mag man aber nicht sprechen, wenn man ihn persönlich erlebt. Malerei, Musik und seine fröhliche Neugier auf Menschen halten ihn jung. Weitere Zukunftspläne hat er auch. Gerade beendet er zum Beispiel einen Zyklus über 100 Gedichte von Goethe. Als nächstes zeichnet er „Was Schiller noch schreiben wollte“. Und seine „Gemalte Musik“ soll in einem Buch erscheinen.

An die Schüler der Internationalen Musikschule Berlin hat Ferry Ahrlé auch eine persönliche Botschaft: „Ein Tag ohne Malen oder ohne Musik ist für mich kein gelebter Tag. Das wichtigste ist aber, dass beides Freude bereitet. Und diese Freude wünsche ich Euch allen bei Eurer Musik.“

Von Wieland Aschinger

Der Maler Ferry Ahrlé im Internet:
www.ferry-ahrle.de

Donna Leon

An interview from the series
“People who impart music”

In a few years the complete 42 operas of George Frideric Handel will be published on CD, including many which we have never heard before. However, the propelling strength of this project is not a record company and not an opera house, but a writer: American bestselling author Donna Leon. She is famous for her crime novels about the Italian Commissario Brunetti. None less but 16 cases she let him solve up to now, one per year. These books were also filmed successfully for television. Her 17th book (title: “The Girl of his Dreams“) has just been published.

However, when Donna Leon doesn’t deal with her Commissario, she follows her second passion: the music of George Frideric Handel. Especially his operas have done it to her. “I attend six or seven Handel performances a year”, she said in an interview with the International Music School Berlin. And explained: “Many are those performed by Alan Curtis and Il Complesso Barocco, where I also attend the rehearsals, but I also go to Paris or Zurich or Munich.” One she’d like to see most is “Alcina”, “because it is my favorite of the operas”.

But Donna Leon doesn’t only hear and watch the works. She also uses every opportunity to inspire other people for Handel. For example, when she gives readings of her novels, mostly she talks about George Frideric Handel, too. Some years ago she developed a concert program that exclusivly contained Handel arias which acted from magicians like Melissa, Amida or Alcina. In April this year Donna Leon spoke at the ARD tv program “Handel – Der Film “ about the life of the composer. And in May she gave a musical literatery evening with the ensemble “Il Complesso Barocco” at the Wolfsburg theater.

Originally, Donna Leon studied (and taught) English literature. Today she works as an author. So we asked her, how she got all her knowledge about the music of George Frideric Handel. Her answer was pretty modest: “I’m a professor of literature by training, not at all a musician, so I can’t say anything professional about Handel’s music, nor would I attempt to do so. I spend a certain amount of time with musicians, I read about music, and I listen to what other people say. “ Hence the question, what she likes so much about Handel’s music. “The special thing to me is that listening to his music gives me more pleasure than does listening to the music of any other composer”, she replied. “I really can’t say anything more than that.”

A big concern of Donna Leon is the recording of the 42 operas which George Frideric Handel has composed. Among them are some works which weren’t performed for centuries or were rediscovered only now. A lot of them are played by the musicians of the ensemble “Il Complesso Barocco” under their conductor and founder, Alan Curtis. Again and again they work with some of the best soloists like Joyce DiDonato, Ann Hallenberg, Maite Beaumont (all mezzo-soprano), Karina Gauvin (soprano) and Sonia Prina (contralto).

We asked Donna Leon, what’s her contribution to the work. “I attend the rehearsals and recordings and often go on tour for performances with the orchestra”, she said. “I’m not sure I do much more than listen to them play and sing and then listen to them talk, make an occasional suggestion here or there, go out and get the mineral water for the rehearsals.” However, Conductor Alan Curtis disagreed with that when he said about Donna Leon at the “Handel – Der Film” program: “She has been an enormous help for the orchestra and me. She has done more for Handel than anyone else I know.”

And how did she become part of the project? “It’s not a project, not in any way”, she explained. “Alan Curtis and I are old friends. About twelve years ago, we joined forces and enthusiasm to try to make Handel’s operas available to a wider public.“ The recordings are animated by pleasure and are not intended to meet some master plan. Their focus is clear: “The feeling of the listeners is far more important than that of the performers.” What is it like to impart these seldom or never before heard musical works to other people? Donna Leon refuses to take credit, handing it to the musicians: “I don’t really do any imparting because I don’t perform.”

However, the next time you have the chance to hear Donna Leon, perhaps with a re-run of the Handel Film, note the radiance in her eyes and her enthusiasm when she talks about her favorite composer. It’s really inspiring.

Finally, we asked Donna Leon what she’ll do when the last Handel opera is published on CD. “Luckily, no recording is definitive”, she replied. “After all of them are recorded, then they will be recorded by other orchestras and singers.

By Wieland Aschinger

More about Donna Leon on the internet:
http://www.donnaleon.co.uk/

Donna Leon

Ein Interview aus der Serie
„Menschen, die Musik vermitteln”

In ein paar Jahren sollen alle 42 Opern von Georg Friedrich Händel auf CD erscheinen, darunter viele, die wir noch nie gehört haben. Die treibende Kraft dieses Projekts ist aber keine Plattenfirma und kein Opernhaus, sondern eine Schriftstellerin: Die amerikanischen Bestseller-Autorin Donna Leon. Sie ist berühmt für Ihre Kriminalromane über den italienischen Commissario Brunetti. 16 Fälle hat sie ihn bisher lösen lassen, einen pro Jahr. Diese Bücher wurden auch alle erfolgreich für das Fernsehen verfilmt. Gerade hat sie das 17. Buch veröffentlicht (Titel: „Das Mädchen seiner Träume“).

Doch wenn Donna Leon sich nicht mit ihrem Commissario beschäftigt, geht sie ihrer zweiten Leidenschaft nach: der Musik von Georg Friedrich Händel. Besonders seine Opern haben es ihr angetan. „Ich besuche sechs bis sieben Händel-Aufführungen pro Jahr“, sagte sie in einem Interview mit der Internationalen Musikschule Berlin. Und erklärte: Viele davon sind die von Alan Curtis und (seinem Ensemble) „Il Complesso Barocco“, wo ich auch an den Proben teilnehme. Ich fahre aber auch nach Paris, Zürich oder München“. Am liebsten würde sie einmal eine Aufführung von „Alcina“ erleben, „denn das ist mein Favorit unter den Opern“.

Aber Donna Leon hört und sieht sich die Werke nicht nur an. Sie nutzt auch jede Gelegenheit, um andere Menschen für Händel zu begeistern. Wenn sie zum Beispiel aus ihren Kriminalromanen liest, erzählt sie auch meistens von Georg Friedrich Händel. Vor einigen Jahren entwickelte sie ein Konzertprogramm, bei dem nur Händel-Arien gesungen wurden, die von Magierinnen wie Melissa, Amida oder Alcina handelten. Im April diesen Jahres sprach Donna Leon in der ARD-Sendung „Händel – Der Film“ über das Leben des Komponisten. Und im Mai gab sie mit dem Ensemble „Il Complesso Barocco“ einen musikalisch-literaterarischen Abend im Theater Wolfsburg.

Ursprünglich hat Donna Leon englische Literatur studiert (und unterrichtet). Heute arbeitet sie als Schriftstellerin. Daher haben wir sie gefragt, woher sie all ihr Wissen über die Musik von Georg Friedrich Händel hat. Ihre Antwort klang ziemlich bescheiden: „Ich bin ausgebildete Literaturprofessorin, überhaupt keine Musikerin. Daher kann ich gar nichts professionelles über Händels Musik erzählen und würde es auch gar nicht versuchen. Ich verbringe eine Menge Zeit mit Musikern, lese über Musik und höre zu, was andere Leute sagen.“ Das führte uns zu der Frage, was ihr so sehr an Händels Musik gefällt. „Das besondere finde ich, daß mir seine Musik mehr Freude bereitet als die von anderen Komponisten“, erwiderte sie. „Das ist wirklich alles, was ich dazu sagen kann.“

Ein großes Anliegen von Donna Leon ist es, daß alle 42 Opern, die Georg Friedrich Händel komponiert hat, auf CD aufgenommen werden. Darunter sind einige Werke, die seit Jahrhunderten nicht mehr aufgeführt wurden oder jetzt erst wieder entdeckt wurden. Viele davon werden von den Musikern von „Il Complesso Barocco“ unter ihrem Dirigenten und Gründer Alan Curtis gespielt. Und immer wieder holt sich das Ensemble einige der besten Solisten dazu, zum Beispiel Joyce DiDonato, Ann Hallenberg und Maite Beaumont (alle Mezzosopran) sowie Karina Gauvin (Sopran) und Sonia Prina (Alt).

Wir haben Donna Leon gefragt, was ihr Beitrag zu der Arbeit ist. „Ich bin bei den Proben und Aufnahmen dabei und gehe oft auf Konzerttourneen des Orchesters“, sagte sie. „Ich glaube aber, daß ich nicht viel mehr mache als ihnen beim Spielen und Singen zuzuhören oder wenn sie reden. Hier und da mache ich einen Vorschlag oder bringe ihnen bei den Proben Mineralwasser.“ Ganz anders sieht das Dirigent Alan Curtis. In der Sendung „Händel – Der Film“ sagte er über Donna Leon: „Sie ist eine enorme Hilfe für das Orchester und mich. Sie hat mehr für Händel getan, als irgendjemand sonst den ich kenne.“

Und wie ist sie Teil dieses Projekts geworden? „Es ist kein Projekt, nicht im geringsten“, erklärte sie. „Alan Curtis und ich sind alte Freunde. Vor zwölf Jahren haben wir unsere Kraft und Begeisterung zusammengetan und versuchen, Händels Opern einem größeren Publikum zugänglich zu machen.“ Die Aufnahmen entstehen aus der Freude an der Musik, nicht um einen Plan abzuarbeiten. Und ihr Ziel ist klar: „Die Gefühle der Zuhörer sind viel wichtiger als die der Interpreten.“ Doch was für ein Gefühl ist es, den Menschen diese selten oder nie zuvor gehörte Musik zu vermitteln? Donna Leon lehnt eigene Verdienste ab und gibt sie stattdessen an die Musiker weiter: „Ich vermittle eigentlich gar nichts, weil ich nicht selbst musiziere.“

Dennoch, wenn Ihr Donna Leon das nächste Mal reden hört, zum Beispiel bei der Wiederholung des Händel-Films, achtet einmal auf das Leuchten in ihren Augen und ihre Begeisterung, wenn sie über ihren Lieblingskomponisten spricht. Das ist wirklich ansteckend.

Schließlich fragten wir Donna Leon, was sie machen wird, wenn die letzte Händel-Oper auf CD aufgenommen worden ist. „Zum Glück ist keine Aufnahme endgültig“, erwiderte sie. „Wenn alle Opern aufgenommen sind, können sie wieder von andere Orchestern und Sängern eingespielt werden.“

Von Wieland Aschinger

Mehr über Donna Leon im Internet:
http://www.diogenes.ch/leser/autoren/a-z/l/leon_donna/biographie

Werner Schneider

Ein Interview aus der Serie
„Menschen, die Musik vermitteln“

In kaum einer anderen Stadt haben so viele Komponisten gelebt und gearbeitet wie in Leipzig. Große Namen von Telemann und Bach über Schumann bis Mahler zählen dazu. Rasch gelangt man vom Arbeitsplatz Johann Sebastian Bachs (der Thomaskirche), vorbei am Paulinum, dem zentralen Campus der Universität Leipzig, an der Telemann, Schumann und Wagner studierten, und dem Wohnhaus von Felix Mendelssohn Bartholdy zu dem Gebäude, in dem Edward Grieg die „Peer-Gynt-Suite“ komponiert hat. Manchen Bauwerken sieht man ihre berühmten Vorbewohner nicht mehr an, oder sie wurden sogar abgerissen und durch andere ersetzt. Wo zum Beispiel war eigentlich das erste Gewandhaus? Das heutige ist ja schon das dritte Konzerthaus, das diesen Namen trägt.

Ab 2010 entsteht in der Innenstadt von Leipzig ein Pfad aus Wegweisern zu diesen Gebäuden und ihren früheren musikalischen Bewohnern. Dazu werden Metallbänder in den Fußwegen verankert. Das ganze heißt „Leipziger Notenspur“. Und wer nun denkt, das sei die Idee eines Musikwissenschaftlers oder der städtischen Kulturverwaltung, liegt völlig falsch. Der Anstoß kam nämlich von einem Physiker und Professor für Statik und Dynamik. Er heißt Werner Schneider, und wir haben ihn in Leipzig getroffen.

Zuerst wollten wir natürlich wissen, wie es kommt, daß gerade ein Nicht-Musiker ein solches Projekt ins Leben gerufen hat. „Das ist eigentlich gar nicht so verwunderlich“, erklärte uns Professor Schneider. „Leipzig ist eine sehr musikalische Stadt. Bei uns spielen viel mehr Kinder und auch Erwachsene ein Instrument als woanders. Das liegt einfach an unserer Geschichte.“ In Leipzig hatten viele Notenverleger ihre Firmensitze, dadurch kamen viele Komponisten in die Stadt. Deren Werke wollten aufgeführt werden, dazu brauchte und braucht man bis heute Musiker. So hat also auch der Physik-Professor Werner Schneider als Kind Klavierspielen gelernt und beschäftigt sich bis heute begeistert mit Musik.

Nun hören sicher viele Menschen Musik und informieren sich auch darüber. Aber was brachte ihn auf die Idee mit der Notenspur? „Eigentlich ist meine Frau daran schuld“, sagte Werner Schneider lachend. Ihr war nämlich aufgefallen, daß das Haus von Robert Schumann durch zwei große Verkehrsstraßen vom Leipziger Stadtzentrum abgeschnitten und nun schwer zu finden ist. „Ausgerechnet ihr Lieblingskomponist!“ Das ließ Herrn Schneider keine Ruhe und er überlegte, wo es noch andere Gebäude gibt, in denen einmal berühmte Musiker gelebt oder gearbeitet haben. Rasch wurde seine Liste länger. So entwickelte er die Idee, statt einzelner Hinweise einen ganzen Pfad zu diesen Häusern anzulegen – die „Notenspur“.

Und wie ging es dann los? „Erstmal ging es gar nicht los“, erklärte uns Herr Schneider. Denn von seinem ersten Vorschlag 1998 sahen sich die Komponistenhäuser überfordert. Und der zweite Anlauf 2003 wurde von der Stadt abgelehnt, weil er nicht ging zur geplanten Olympia-Bewerbung passte. Davon ließ sich der Professor aber nicht entmutigen. Stattdessen ging er die Sache anders an: Er besuchte die einzelnen Häuser und Institutionen, auf die er mit der Notenspur hinweisen wollte, und erklärte ihnen seine Idee. Das war nicht immer ganz einfach. Manch große Institution musste erst davon überzeugt werden, mit kleineren Häusern zusammenzuarbeiten. Und das Museum für Bildende Künste konnte sich anfangs gar nicht vorstellen, was es in der Notenspur zu suchen hätte – dabei stellt es eine über drei Meter große Beethoven-Skulptur von Max Klinger aus.

So entstand ein Netzwerk aus Musikinstitutionen, Vereinen, Firmen und Privatpersonen, die das Projekt unterstützten, „in bester Leipziger Tradition: aus der Bürgerschaft heraus“, wie uns Herr Schneider erklärte. Außerdem sprach der Professor mit Mitarbeitern der Leipziger Hochschulen. Gemeinsam entwickelten sie eine Machbarkeitsstudie, die den Nutzen für die Stadt Leipzig darlegten sollte. Im Jahr 2006 stimmte das Kulturdezernat dem Projekt zu. Und die Tourismusförderung stieg auch mit ein. Im Oktober 2007 wurden die Ergebnisse des Design-Wettbewerbs zur „Notenspur“ im Leipziger Gewandhaus der Öffentlichkeit vorgestellt und im Juli 2008 endlich beschloss der Stadtrat die Realisierung.

Eigentlich hätte sich Herr Schneider nun zurücklehnen können, denn sein Projekt kam ins Rollen. Stattdessen hat er weitere Ideen entwickelt. Zu der „Notenspur“, die einen zu den berühmten Komponisten vom 17. bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts leiten soll, kam der „Notenbogen“, der sich mit dem ausgehenden 19. und beginnenden 20. Jahrhundert beschäftigt. Und diesen zwei Spazierwegen folgte das „Notenrad“ – ein musikbezogener Radwanderweg, der über die Grenzen der Leipziger Innenstadt hinausführt.

Mit der Zeit entwickelte sich die Leipziger Notenspur vom Lehrpfad zu einem Musikerlebnis-Leitsystem. „Wir wollen Musikgeschichte erlebbar und hörbar machen“, erzählte uns Herr Schneider. Zum Beispiel soll man vor den Häusern der früheren Notenspur-Anwohner Beispiele ihrer Kompositionen hören können. Durch Klanginstallationen, Klangoasen und Hörstationen kommt die Musik ein stückweit aus den „Kulturtempeln“ heraus zu den Menschen auf der Straße. Dadurch können Leute erreicht werden, die sich sonst nicht in einen Konzertsaal trauen würden.

Ein großes Anliegen ist es Herrn Schneider auch, Kinder für die Musik zu begeistern. Regelrecht ins Schwärmen geriet er, als er von seinen Ideen für junge Hörer sprach: „Es wird Rätsel geben und einen Notenspur-Entdeckerpass. Außerdem entwickeln wir Stationen, an denen die Kinder Musik ausprobieren können.“ Als Beispiele nannte er ein Klanglabor und die Leipziger Notenwand, an der man Blindennotenschrift zum Klingen bringen kann.

2008 hätte Werner Schneider das Projekt beinahe aufgeben müssen. Durch eine Reform im Bildungswesen wurde seine Professorenstelle von Leipzig nach Dresden verlegt. Damit hätte er praktisch keine Möglichkeit mehr gehabt, sich nach Feierabend um die Notenspur zu kümmern. Kurzerhand ließ er seine Arbeitszeit auf vier Tage pro Woche kürzen, wodurch er jeweils einen Tag in Leipzig sein konnte. Zum Glück war das Projekt zu der Zeit schon so groß geworden, daß ihm die Universität für diesen Tag ein Büro zur Verfügung stellte.

Im Jahr 2010 soll die „Leipziger Notenspur“ im Rahmen eines Bürgerfestes eröffnet werden. Das „Notenrad“ und der „Notenbogen“ sollen den Jahren darauf folgen. Was macht Herr Schneider, diese fertiggestellt sind? „Dann planen wir noch eine ‚Notenszene’ für Musik von Jazz bis Rock“, verriet er. Und es scheint, als sei es nicht die letzte Idee des Physik-Professors, der uns zu den Musikern leitet.

Schließlich hat uns Herr Schneider für die Schülerinnen und Schüler der Internationalen Musikschule Berlin noch einen persönlichen Gruß aus Leipzig mitgegeben: „Viele der Komponisten der Leipziger Notenspur waren auch mit Berlin verbunden. Felix Mendelssohn Bartholdy, dem wir in Leipzig besonders viel verdanken, erhielt z.B. seine musikalische Ausbildung in Berlin. Hier in Leipzig hat er sich als Gewandhauskapellmeister um den musikalischen Nachwuchs gemüht und das erste deutsche Konservatorium gegründet. Ganz in seinem Sinne wünsche ich Euch und Ihnen Beharrlichkeit, Freude und Erfolg bei Ihrer musikalischen Ausbildung. Sie sind herzlich eingeladen, 300 Jahre Musikgeschichte auf der Leipziger Notenspur zu erkunden, sobald diese eröffnet ist.“

Von Wieland Aschinger

Über den weiteren Fortschritt der Leipziger Notenspur kann man sich auch im Internet informieren unter:
www.notenspur-leipzig.de

Elke Heidenreich

Ein Interview aus der Serie
„Menschen, die Musik vermitteln”

Gelegentlich weisen wir in unseren TV-Tipps auf die „Young People’s Concerts“ von Leonard Bernstein hin. Nach dieser Fernsehserie ist in Deutschland eine Audio-CD mit dem Titel „Konzert für junge Leute“ entstanden. Die Texte dieser CD hat Elke Heidenreich gesprochen. Sie ist Schriftstellerin und Literaturkritikerin, Journalistin und Moderatorin. Bei diesen Berufen drückt sie sich immer mit Worten aus. Auf der CD “Konzert für junge Leute” erzählt sie aber mit herzlicher Hingabe über Musik. „Das stammt ja alles vom begeisternden Leonard Bernstein, der immer darum bemüht war, Kindern die Musik zu vermitteln”, sagte Elke Heidenreich im Gespräch mit der Internationalen Musikschule Berlin.

Das allein kann es aber nicht sein. So selbstverständlich und von innen heraus, wie sie auf der CD über Musik spricht, hat man den Eindruck, als sei das ihr eigentliches Fach. Tatsächlich ist Elke Heidenreich schon früh mit Musik in Berührung gekommen: „Zuerst über meine musikliebende Mutter, die Radio hörte, mitsang, erklärte. Dann über Schallplatten, und der erste Opernbesuch mit 13 Jahren hat mich für immer infiziert.” Als Kind hat Elke Heidenreich Akkordeon gespielt, heute Klavier. Ob sie gerne Musikerin geworden wäre? „Ja, sehr gern, aber das Talent reichte wohl nicht und ich habe auch zu spät darüber nachgedacht”, sagte sie.

Stattdessen hat sie sich dem Schreiben zugewandt. Zahlreiche Erzählungen, Kinderbücher und Reiseberichte hat sie verfasst. Mit ihren Buchbesprechungen im Rundfunk und später im Fernsehen wurde sie Deutschlands einflussreichste Literaturkritikerin.

Dennoch hat sie Freude an der Musik und teilt diese auch mit ihren Mitmenschen. Besonders wichtig ist es ihr, Kinder für die Musik zu begeistern. Zum Beispiel hat sie viele Jahre lang Libretti für die Kölner Kinderoper übersetzt, bearbeitet und eingerichtet. Und basierend auf ihrem Buch „Am Südpol, denkt man, ist es heiß“ hat sie sogar ein eigenes Libretto geschrieben: „Das Opernschiff“. „Die Kinderoper in Köln ist ein einmaliges und wunderbares Unternehmen”, schwärmt Elke Heidenreich. „Wir spielen Opern von Krenek, Strawinsky, Ravel, alles sehr hohe Qualität.” Zusammen mit dem Opernregisseur Christian Schuller hat sie Libretti übersetzt, gekürzt, für Kinder verständlich gemacht. „Die Musik ist immer original geblieben”, betont sie dabei. „Es ist wichtig”, sagt sie, „dass die Kunstform Oper auch in der Zukunft ein Publikum hat. Wir haben gute Erfahrungen gemacht, mehr als 2.000 ‘unserer’ Kinder haben später ein Abonnement für die ‘große’ Oper bestellt”, freut sie sich und hat beobachtet: “Junge Hörer gehen völlig unbefangen an die moderne Musik heran.”

Anfang der 80er Jahre hat Elke Heidenreich den Dirigenten, Pianisten, Komponisten und Musiklehrer Leonard Bernstein persönlich getroffen. Sie war „tief beeindruckt von seiner strahlenden Wärme und seinem Charisma. Ich wollte immer irgendwas machen, was mit ihm zu tun hat.” Sie hatte Bernsteins Buch zu seiner Serie „Young People’s Concerts” gelesen. Zusammen mit Christian Schuller, der damals Oberspielleiter der Kölner Oper war, hat sie sich alte Videoaufnahmen angesehen, auf denen Bernstein Kindern die Musik und die Instrumente erklärte. „Das wollten wir unter die Leute bringen. Also haben wir die Texte bearbeitet, uns Musiker dazugeholt und die CD gemacht”, erklärte uns Elke Heidenreich.

Könnte sie sich vorstellen, die Serie auch noch einmal auf die Konzertbühne oder ins Fernsehen zu bringen? „Ach, vorstellen kann ich mir das schon, aber man geht weiter, hat neue Ideen und Projekte”, sagte sie. Gerade hat sie drei Musikbücher in verschiedenen Verlagen herausgebracht: In „Das geheime Königreich“ erklärt sie mit Christian Schuller, wie die Kölner Kinderoper funktioniert. Für das Buch „Flieg, Gedanke“ ist sie zu Stationen im Leben von Giuseppe Verdi gereist (auf der dazugehörigen Audio-CD gibt es auch Musik von Verdi). Aufsätze zur Musik hat Elke Heidenreich in „Passione” gesammelt. Außerdem arbeitet sie seit einem Jahr als Herausgeberin einer Reihe mit Büchern zum Thema Musik. Ab September 2009 wird jeden Monat ein Band erscheinen. „Da lege ich z. B. Werfels Roman über Verdi neu auf oder bringe die Schriften von Hans Neuenfels zum Musiktheater heraus. Außerdem schreibe ich für den Komponisten Marc-Aurel Floros ein Libretto für eine große Oper“, hat sie uns schon verraten. „Es geht also immer weiter.”

In ihren Literatursendungen – „lesen!” im ZDF und jetzt im Internet (unter www.litcolony.de) – empfiehlt Elke Heidenreich immer bestimmte Bücher, weil sie ihr gefallen haben. Gibt es ein Musikstück, das sie jungen Menschen besonders empfehlen würde? „Nein, das muß jeder selbst für sich entdecken. Ich würde dazu raten, in die Oper zu gehen, gut vorbereitet und furchtlos. Und Musikvideos sind oft auch sehr gut. Einen bestimmten Komponisten kann ich nicht empfehlen, würde aber wohl nicht mit Wagner beginnen!”

Zum Schluss hat Elke Heidenreich uns noch einen persönlichen Gruß mitgegeben: „Liebe Schüler, die Musik ist ein großes, wunderbares Geschenk. Es gefällt nicht alles, nicht immer, aber manchmal, wenn man ganz glücklich oder ganz traurig ist, dann erreicht plötzlich ein Lied oder eine Melodie unser Herz und macht es weit, und es gibt nichts Schöneres. Man sollte immer dranbleiben! Und zwar an den Büchern und an der Musik. Beides tut einfach gut, und das hat nicht immer nur was mit LERNEN zu tun. Man wird dadurch eine Persönlichkeit. Viel Glück für Euer Leben!
Eure Elke Heidenreich”

Von Wieland Aschinger

Mehr über Elke Heidenreich findet man im Internet zum Beispiel hier:

„lesen!“:
http://litcolony.de/littv

„Edition Elke Heidenreich“:
http://www.randomhouse.de/webarticle/webarticle.jsp?aid=17126

Manch einer kann ja von Musik gar nicht genug bekommen. Wir haben mit Menschen gesprochen, denen es genau so geht. Sie hören Musik nicht nur passiv, zum Beispiel in Konzerten oder von CD, sondern engagieren sich dafür. Sie vermitteln Musik, ohne Musiklehrer zu sein. Das machen sie auf ganz unterschiedliche Art und Weise. Einige nutzen ihre beruflichen Fähigkeiten, andere investieren ihre Freizeit. Der eine steckt viel Kraft in ein einzelnes Projekt, der nächste hat immer neue Ideen und wieder andere entwickelt auf seinem ganz eigenen Gebiet wahre Meisterschaft.

In Gesprächen mit der Internationalen Musikschule Berlin berichten diese Menschen, was sie so sehr an Musik begeistert. Unsere Interviews werden wir von nun an auf unserer Website veröffentlichen.

Damit beginnen wir die erste von verschiedenen Serien mit Interviews. In loser Folge werden Euch Menschen vorstellen, die auf ganz unterschiedliche Weise mit Musik umgehen. Dabei sind Überraschungen vorprogrammiert, denn oft wissen wir selbst nicht, wer uns als nächstes begegnet.

Wir wünschen Euch viel Freude beim Lesen.

Schon in dieser ersten Episode, die erstmals 1958 im Fernsehen gesendet wurde, gab Leonard Bernstein nicht einfach die Antworten vor. Sicher, er erklärte und brachte Beispiele. Aber immer war es ihm wichtig, die Fragen der Musik im Gespräch mit seinen jungen Zuschauern zu beantworten. Das war eine der besonderen Qualitäten Bernsteins als Musiklehrer.

In der Folge „Was ist Musik“ spielen die New Yorker Philharmoniker Ausschnitte aus Rossinis „Wilhelm Tell“-Ouvertüre, der 6. Symphonie von Ludwig van Beethoven und aus „La Valse“ von Maurice Ravel.

In der zweiten Folge der Serie aus dem Jahr 1959 versuchte der berühmte Dirigent mit dem Publikum herauszufinden, was „klassische“ Musik ist. Im engeren Sinne beschreibt das Wort „Klassik“ ja nur die Epoche etwa zwischen 1730 und 1830. Man kann den Begriff aber auch weiter fassen. Anhand von Ausschnitten aus Werken von zum Beispiel Bach, Mozart, Haydn und Beethoven erklärt Leonard Bernstein, was alles klassische Musik sein kann.

Aber zu Beginn des Abends mit drei Folgen „Young People’s Concerts“ zeigt der Sender CLASSICA die Episode „Volksmusik im Konzertsaal“ von 1961. Darin wird der Einfluss von Volksmusik auf die klassische Musik beschrieben. Als Beispiele spielen die New Yorker Philharmoniker Werke von Komponisten aus dem 20. Jahrhundert, etwas Charles Ives, aber auch von Wolfgang Amadeus Mozart.

„Volksmusik im Konzertsaal“ (Folk Music in the Concert Hall)
Donnerstag, 13. August 2009, 20:15 Uhr
„Was ist Musik?“ (What does music mean?)
Donnerstag, 13. August 2009, 21:10 Uhr
„Was ist klassische Musik?“ (What is classical music?)
Donnerstag, 13. August 2009, 22:10 Uhr
(Wiederholungen am 25.08. und 11.09.)